Curiosidad

/**
 * Frame Differencing
 * by Golan Levin.
 *
 * Quantify the amount of movement in the video frame using frame-differencing.
 */


import processing.video.*;

int numPixels;
int[] previousFrame;
Capture video;

void setup() {
  size(640, 480); // Change size to 320 x 240 if too slow at 640 x 480
  // Uses the default video input, see the reference if this causes an error
  video = new Capture(this, width, height, 24);
  numPixels = video.width * video.height;
  // Create an array to store the previously captured frame
  previousFrame = new int[numPixels];
  loadPixels();
}

void draw() {
  if (video.available()) {
    // When using video to manipulate the screen, use video.available() and
    // video.read() inside the draw() method so that it's safe to draw to the screen
    video.read(); // Read the new frame from the camera
    video.loadPixels(); // Make its pixels[] array available
  
    int movementSum = 0; // Amount of movement in the frame
    for (int i = 0; i < numPixels; i++) { // For each pixel in the video frame...
      color currColor = video.pixels[i];
      color prevColor = previousFrame[i];
      // Extract the red, green, and blue components from current pixel
      int currR = (currColor >> 16) & 0xFF; // Like red(), but faster
      int currG = (currColor >> 8) & 0xFF;
      int currB = currColor & 0xFF;
      // Extract red, green, and blue components from previous pixel
      int prevR = (prevColor >> 16) & 0xFF;
      int prevG = (prevColor >> 8) & 0xFF;
      int prevB = prevColor & 0xFF;
      // Compute the difference of the red, green, and blue values
      int diffR = abs(currR - prevR);
      int diffG = abs(currG - prevG);
      int diffB = abs(currB - prevB);
      // Add these differences to the running tally
      movementSum += diffR + diffG + diffB;
      // Render the difference image to the screen
      pixels[i] = color(diffR, diffG, diffB);
      // The following line is much faster, but more confusing to read
      //pixels[i] = 0xff000000 | (diffR << 16) | (diffG << 8) | diffB;
      // Save the current color into the 'previous' buffer
      previousFrame[i] = currColor;
    }
    // To prevent flicker from frames that are all black (no movement),
    // only update the screen if the image has changed.
    if (movementSum > 0) {
      updatePixels();
      println(movementSum); // Print the total amount of movement to the console
    }
  }
}

Museo Nacional de Bellas Artes

RESEÑA HISTORICA

El Presidente de la República don Aníbal Pinto, autoridades de gobierno y don Manuel García de la Huerta, Ministro de Justicia e Instrucción Pública, junto al Coronel Marcos Maturana y el escultor José Miguel Blanco, gestionaron la creación del Museo Nacional de Pinturas que se fundó el 18 de septiembre de 1880 y se instaló en los altos del Congreso Nacional. El pintor Juan Mochi fue su primer Director.

En 1887 el Museo Nacional de Pinturas se trasladó al Partenón, edificio que había construido en la Quinta Normal de Agricultura, la Unión Artística fundada por Pedro Lira y Luis Dávila  y que el gobierno adquirió con el fin de organizar exposiciones anuales de arte. La institución pasó a llamarse Museo de Bellas Artes.

En el año 1901, el gobierno realizó un concurso de arquitectura para el proyecto de construcción del Museo y Escuela de Bellas Artes. El proyecto ganador fue el del arquitecto chileno francés Emile Jéquier , quien se encargó de la ejecución del edificio emplazado en las riberas del río Mapocho.

Los jardines que rodean el Museo dieron origen al Parque Forestal, obra del arquitecto paisajista Jorge Enrique Dubois, titulado en la Escuela de Jardinería de Versalles, en Francia.

La inauguración del Palacio de Bellas Artes que albergaba al Museo y la Escuela tuvo lugar el 21 de septiembre de 1910, evento que formó parte de las fiestas del Centenario de la Independencia de Chile. Para la ocasión se organizó una gran Exposición Internacional  de arte en la que participaron alrededor de catorce países invitados a través de sus respectivas embajadas.

Micro-Paisajes; Pedro Bernal Troncoso

Consiste en 17 obras recientes y dos telas de los años 80', demostrando abstracción y representación.


A lo largo de su carrera artística, Pedro Bernal Troncoso ha investigado los límites entre abstracción y representación, mediante el uso de la acuarela y la pintura al óleo. 

Las 17 obras recientes y dos telas de los años 80 que componen la muestra Micropaisajes ofrecen una nueva mirada del pintor sobre el género tradicional del paisaje, invitando a repensar el concepto de escala a través de obras realizadas con técnica mixta: óleo y acrílico mezclado con arenas y trozos de género.

La mirada en reposo; Cuarta Exposición del S. Centenario

Pinturas, dibujos, grabados, fotografías, registros de acciones de arte, multimedia e instalaciones componen la muestra cuya curaduría fue realizada por Angélica Pérez, incluye obras creadas entre los siglos XIX, XX y XXI por diversos artistas.

"La denominación ‘naturaleza muerta’ tiene su origen en el término stilleven, tomado del holandés que significa modelo inerte, naturaleza inmóvil (‘leven’ quiere decir modelo). El pintor y teórico del arte alemán Von Sandrart (1606-1688) hablaba en 1675 de cosas en reposo y un siglo más tarde fue acuñado en Francia el concepto de nature morte. Así lo señalaba Du Pont de Nemours (1779) cuando explicaba este concepto como ‘las cosas inanimadas’. Asimismo, Descamps lo definió en 1780 como la representación de ‘objetos inmóviles’. El género de naturaleza muerta, desarrollado principalmente en Holanda durante el siglo XVII, respondía, entre otras cosas, a la demostración del lujo y las contradicciones entre la cultura material y espiritual de esa época. Sin embargo, tal como ha sucedido con el género a lo largo de la historia del arte de Occidente, éste se convertirá más adelante en el ámbito preferido de los artistas de vanguardia para cuestionar y subvertir el orden del sistema establecido del lenguaje del arte"

Sala de Arte CCU

LA IMAGEN DOMESTICADA

La Imagen Domesticada: Fotografías de un paisaje social. En la muestra los artistas Alexis Mandujano y José Zubicueta plantean una reflexión, donde la imagen ha sido “domesticada”, hasta el punto de pasar inadvertida, perdiendo su significado real, como también los límites entre lo público y lo privado.

José Zubicueta nos muestra en su obra la convivencia entre la obra de arte con los sujetos incorporados en ella. Más o menos 21 minutos duraba cada cuadro, en los cuales los personajes "hablaban" entre ellos.

Es impresionante como se puede mezclar a el ser humano en movimiento con la pintura de artistas nacionales, el involucrarlos viviendo su día a día hace que sea una obra realmente especial y con alto cargo social.

La obra de Zubicueta cobra relevancia social, pues el artista se hace cargo de la realidad de la “gente de la calle”, transfiriéndolos no sólo a un espacio cultural, sino que haciéndolos partícipes en obras de grandes artistas nacionales. Por su parte Mandujano, realiza imágenes elaboradas, preconcebidas, reconstituciones de escenas, con una fuerte influencia en la cinematografía; aquella en donde la contemplación de la realidad se transforma en objeto de incertidumbre, en crudeza de soledad, en desvaríos. Son imágenes que experimentamos como un deja vu.

¿Cómo se llama tu obra expuesta en la Sala de Arte CCU?

Son cuatro obras:

1.- Funeraria

2.- Mirador

3.- Salda de espera

4.- Conserjeria

Estas fotos son la continuacion y finalizacion del uso de la tecnica de pintado de luz con linterna de leds. En esta exposición con Jose Zubicueta tiene otro nombre a la serie presentada anteriormente en Matucana 100. 

¿A qué se debe el título?

El nuevo titulo es “La imagen domesticada” y se debe a la exposicion en duo que tengo con Jose Zubicueta. El nombre es por lo comun de hacer nuestras fotografias en lugares publicos. Independiente de la tematica personal. En lo personal estas 4 fotografias son el llevar esta iluminacion a su limite de significancia con las

locaciones escogidas teniendo en cuenta el caer el lo “cliche”. Siempre con el interes de una estetica cinematografica.

¿Por qué hiciste tu trabajo?

Porque senti que faltaron fotos en la serie “Escenarios” y quise continuar trabajando con formato blanco y negro en 35 mm. (cosa que se llevo a cabo).

Luego las versiones en color fueron las que eran mas atractivas. Dandole termino a la serie en color.

¿Cuánto tiempo te tomó realizarlo?

6 meses aproximadamente.

Museo de la Solidaridad Salvador Allende

SCULPERE-ESCULPIR

Es una selección de la colección de esculturas del Museo de la Solidaridad Salvador Allende, que tiene como objetivo dar cuenta de los movimientos de vanguardia más importantes de la segunda mitad del siglo XX, señalando los vaivenes de la representación visual, a través de la poética de la materialidad de la escultura, la que ha ido cambiando de acuerdo a las tecnologías de los materiales y la incorporación del objeto como un significante más en la escultura.

Roberto Matta

Hagamos la guerrilla interior para parir un hombre nuevo

1970

Oleo sobre tela

Luis Tomasello

Atmosphere Cromoplastique Nº249

1970

Relieve Madera

"La estructura de la exposición evidencia las principales tendencias de las décadas de los 60’ y 70’, periodos en el que se establecen tanto las disputas, como la convivencia entre la abstracción, – posterior a la suprematista y constructivista – en su versión geométrica, óptica, cinética, neoconcreta, matérica e informalista"

Para más información http://museodelasolidaridad.cl

Galería de Arte Gabriela Mistral

MICROUTOPIAS

La balsa de Noé

Nicolás Sanchez

Luddites

Jaime Vargas

Nicolás Sanchez construye "La balsa de Noé" en la rivera del río Mapocho a partir de desechos  y desperdicios industriales. El artista navega aguas abajo por el río desde su ingreso canalizado en el centro-norte de la ciudad hasta su desembocadura en el río Maipo. El artista ve simbolizada en los desperdicios con que la balsa se construye para luego huir en un posterior zarpe sin rumbo. El trabajo finalmente indaga en la experiencia del ser humano en la ciudad, mostrando ciertas situaciones urbanas que revelan la necesidad de recuperar el territorio público para las personas, imaginando nuevas dinámicas de ocupación que con poesía alumbren otras formas de vivir más ricas, diversas y al mismo tiempo sencillas.

Interesante. Me parece genial que con la basura que se encuentra en el río, la cual fue tirada por personas inconsecuentes que no se preocupan por lo que es nuestro, nazca algo tan bonito como es el arte. Incluso esta balsa, con la que recorrieron hasta llegar al río Maipo. Es increíble lo que se puede llegar a hacer con un poco de imaginación y disponibilidad. 

Jaime Vargas por su parte construye "Luddites" que consiste en la instalación de dos máquinas autómatas distribuidas dentro del espacio de la sala. Ambas están construidas con una estructura de perfiles de fierro de 40 x 60 mm., unidos a base de pernos y pletinas. Los fierros utilizados en las máquinas y las bases de éstas se encuentran oxidados, por lo que han adoptado un tono café rojizo. 

Las poleas corresponden a las antiguas máquinas de coser accionadas con el pie. Ambas se activan a través de sensores de movimiento y funcionan con un motor respectivamente. Ambas máquinas reproducen una serie de gestos humanos como colgar un teléfono, escribir en una máquina de escribir, levantar reiterativamente el pie, etc. Pero no desde la lógica de movimientos cotidianos, sino mas bien son movimientos enfermizos y repetitivos propios de una alienación, donde se persigue recrear una experiencia mas bien ominosa. 

Ambas máquinas serán proyectadas con luces dicroicas expandiendo a través de los muros y el techo las sombras de las poleas y gestos en funcionamiento, completando la totalidad de la sala con el movimiento de sombras, dejando al observador un espacio para recorrer tanto dentro como fuera de estas incorporándolo con sus proyecciones al circular alrededor de estas.

    

Difinitivamente, me fue muy desagradable verla, escucharla mas que nada. La máquina emitía un sonido tan desgarrador, el tenedor lijando en una plancha de metal. Como si la maestra pasara sus largas uñas por el pizarrón para tiza. Me sentía realmente mal, lo único que quería era salir de ese lugar. 

Centro Cultural Palacio La Moneda

ARTE EN AMÉRICA

Más de 200 obras pertenecientes a las colecciones de arte moderno y contemporáneo del Museo de las Américas de la Organización de Estados Americanos (OEA) y del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) llegan por primera vez a Chile para dar vida a la exposición ARTE EN AMÉRICA organizada por el Centro Cultural Palacio La Moneda, con la curatoría de Soledad García y Alex Meza, miembros del equipo del Centro de Documentación Artes Visuales del Centro Cultural.

"La selección incluye a artistas de 28 países americanos con el fin de contribuir al reconocimiento de su obra visual y a la valoración del extraordinario patrimonio artístico desarrollado durante un siglo en América, y , por otra parte, entregar una visión global de las diferentes tradiciones, procedencias, influencias e innovaciones que confluyen en su arte moderno y contemporáneo."

En lo personal...

Me gustó, la disfrute, fue rico encontrarse con obras de artistas conocidos, como Oswaldo Guayasamín entre otros. Variadas técnicas, como el óleo, el grabado, la escultura, la fotografía. Como que esta exposición me permitió conectarme con todo, viviendo diferentes emociones.

Osvaldo Guayasamín

Fue un destacado pinto ecuatoriano. Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Quito. Realizó unas 180 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.

Matucana 100

VOLUMEN SINTÉTICO
Ariel Bustamante

Obra que comenzó a desarrollarse en Beijing hasta finalizar en Matucana 100 en marzo del presente año. La obra está constituida por 1.620 audífonos incrustados en una antena parabólica de madera, que en conjunto emiten un sonido configurado por el artista, generando en totalidad un gran volumen que podrá ser escuchado y, al mismo tiempo, visto por el espectador.

 

Esta obra se encontraba en la Galeria Concreta de Matucana 100. Una galeria bastante amplia, de concreto al parecer, la cual se ubica en un subterráneo. 

Me pareció bastante extraña desde un comienzo. Emitía sonidos molestos, como de una televisión sin señal y luego sonidos agudos, los cuales perturbaban mi mente.
No me gustó demasiado, pero me pareció interesante como miles de audífonos podían reproducir sonido como si fuera un gran parlante y  fabricar una antena parabólica con madera.
También creo que el fin es crear emociones en cada uno de nosotros, y esta por lo menos en mi, lo logró pero siendo desagradable, de repulsión.

Esta obra pertenece a un artista Chileno llamado Ariel Bustamante, consiste en una muestra centrada en el ámbito sonoro y auditivo, llamada "Volumen Sintético". La relación entre lo sonoro y visual, es parte principal de la investigación de este artista y por ende nos lleva a su obra.

¿Sabías que...?

Ariel Bustamante (1980). Realizó estudios en programación de computación en Chile y adquirió el grado Certificate in Arts and Technology, Max/MSP/Jitter Digital Arts Media Center, Havestworks, New York, USA. Ha expuesto en el MAC (Museo Arte Contemporáneo), Chile; Museo Nacional de Bellas Artes, Chile; Subtonic, Harvestworks, NY, USA; ZKM, Alemania; Sentrallstambul, Turkia; y 798, Beijing, China. Ha publicado en la revista europea Hz www.hz-journal.org y ha desarrollado una discografía en donde destacan Don Augusto, MUNDO-PUNCH (independiente), Fun love and computers, del sello Cockrockdisco.

Una pagina sobre algunas obras de arte sonoro 

http://www.artesonoro.org/